От Леонардо да Винчи в Лувре до онлайн-ярмарок: главные события в мире искусства

Выставка, посвящённая 500-летию со дня смерти титана Возрождения, стала одной из самых удачных в сезоне. Открывшись в октябре, она прошла до локдауна, и увидеть её успели 1,1 млн счастливчиков. Во Франции Леонардо провёл по- следние три года своей жизни. Король Франциск I пригласил его ко двору на должность «первого королевского художника, инженера и архитектора», стараниями монарха коллекция да Винчи в Лувре лучшая в мире – 5 эталонных картин и 22 рисунка. По сути, они и составили ядро выставки, с небольшими дополнениями. Привозных шедевров было не так много – «Мадонна Бенуа» из Эрмитажа, «Святой Иероним» из Ватикана, «Портрет музыканта» из миланской Пинакотеки Амброзиана и волшебная графическая La Scapigliata («Голова женщины») из Национальной галереи Пармы. Впрочем, в случае с Леонардо даже рядом с подготовительными штудиями можно провести не один час, пытаясь разгадать секрет совершенства.

Многочисленные ярмарки, биеннале, выставки и другие значимые события арт-мира требуют перемещения художественных шедевров по всему свету. Обычно для этого используются деревянные ящики, которые разбираются и выбрасываются после одной поездки, что плохо с точки зрения использования ресурсов и защиты окружающей среды. Прорывом обещает стать представленная британцами в 2019 году «многоразовая» упаковка Rokbox. Ящики Rokbox делаются из переработанных или пригодных для последующей переработки материалов, имеют «углеродную нейтральность» (то есть компания обещает компенсировать неизбежные во время производства вредные выбросы в атмосферу) и, разумеется, защищают от воды, вибрации и ударов. Но главное – за счёт оригинальных креплений, легко меняющих конфигурацию, каждый ящик можно использовать много раз для работ разного формата и размера.

Пандемия критически повлияла на многие арт-события, чьи даты проведения оставались неизменными на протяжении десятилетий. Отменили выпуск 2020 Венецианская биеннале, лондонская Frieze и парижская Биеннале антикваров. Более отважные пошли в интернет. Пионером нового формата стал Art Basel, причём дважды – Online Viewing Rooms заменили гонконгский выпуск ярмарки в марте и базельский в июне. В июле инициативу подхватила London Art Week. Изначальный настрой был скептическим (лучше, чем ничего), но результат оказался приятным – участники говорят и о продажах, и о новых клиентах. Так, галерея David Zwirner в «виртуальном Базеле» продала «Венеру» Джеффа Кунса за $8 млн, а лондонская Colnaghi почти целиком распродала онлайн-выставку испанских модернистов, включая работу Рамона Касаса за €190 тыс.

На афишах, расклеенных по всей Вене, – фигура бегущего мужчины в цветном костюме с картины австрийского мастера поп-арта Роберта Клеммера – однозначный призыв последовать за ним в новый музей Albertina Modern, открывшийся в марте. В пышном здании середины XIX века на Карлсплац, построенном императором Францем Иосифом для Австрийского общества художников, теперь показывает свою обширную коллекцию современного искусства музей Альбертина. Первая выставка «Начало. Австрийское искусство с 1945 по 1980 годы» продлится до 8 ноября и, по замыслу директора музея Клауса Альбрехта Шрёдера, при котором музей и начал целенаправленно собирать современников, должна по-новому показать послевоенное искусство и роль Австрии на мировой арт-сцене. Отвечают за успех этой миссии работы Марии Лассниг, Германа Нитча, Гюнтера Брюса, Вали Экспорт, Фриденсрайха Хундертвассера и ещё почти сотни художников.

Уже несколько лет в арт-мире прослеживается интерес к художникам, традиционно оказывавшимся за бортом рынка и истории искусства. В XXI веке к ним всё ещё относятся авторы афроамериканского происхождения и женщины. Для сравнения: самая дорогая работа ныне живущего художника-мужчины, проданная на аукционе, стоит $91,1 млн («Кролик» Джеффа Кунса), женщины-художницы – $10,96 млн (Propped Дженни Савиль). Причём продажи «женского» искусства составляют всего 2% от общего объёма арт-рынка, а в большинстве музейных коллекций более 90% работ авторства мужчин. Художники-афроамериканцы и раньше выходили на первый план – например, в 2017 и 2019 годах США на биеннале в Венеции представляли Марка Брэдфорда и Мартина Пурьера. Но недавние протесты против системного расизма заставили признать, что дискриминация всё ещё существует. На этой волне Балтиморский музей изобразительных искусств пообещал в 2020 году покупать только работы женщин и даже продал для этого произведения Энди Уорхола и Франца Клайна. Но главный шаг сделал нью-йоркский МоМА, открывшийся после реновации, – история искусства в новой экспозиции написана не только белыми мужчинами, и рядом с «Авиньонскими девицами» Пикассо нашлось место для острой, политически окрашенной работы художницы из Гарлема (да, темнокожей женщины) Фэйт Рингголд 1967 года из серии «Американский народ» – «No20: Умри».

Вечный вопрос – как превратить искусство в полноценный финансовый актив – пытается решить запущенная
в июне и не имеющая аналогов интернет-платформа The Art Exchange. Компанию основали коллекционер и издатель The Art Newspaper Инна Баженова и трейдер, управляющий инвестиционными фондами, Андрей Беляков. Цель нового проекта – соединить первоклассное искусство (покупка и хранение которого имеет много рисков, сопутствующих трат и не слишком ликвидно), финансовые инструменты и технологии блокчейн. Если совсем упростить, сайт позволяет приобщиться к процессу собирательства на новых условиях – используя цифровые деньги блокчейна, купить, например, 1% картины Пикассо. Дальше картину можно «одолжить» музею, продать, отдать под залог – у совместного владения много сценариев. Всё это должно сделать арт-рынок более прозрачным и доступным.

Московскому музею современного искусства исполнилось 20 лет – 15 декабря 1999 года он открылся на Петровке, в бывшей усадьбе конца XVIII века, а основу собрания составили две тысячи работ из личных запасов президента Академии художеств Зураба Церетели. За прошедшее время музей оброс новыми площадями – появились ещё два здания и три дома-мастерских (художников Налбандяна, Церетели и Сидура), увеличилась и коллекция. Для полноценного показа истории ХХ–XXI веков её по-прежнему недостаточно, зато музею отлично удаются «игровые» тематические выставки. Юбилейная «ММОМА 99/19» похожа на вечеринку в духе #20yearschallenge. 20 друзей музея оформили по одному залу на свой вкус, и каждый через искусство рассказал о важном для себя: Диана Вишнёва – о танце, Владимир Мухин – о высокой кухне, Алиса Хазанова – о театре, кардиохирург и коллекционер Михаил Алшибая – о медицине и любви, к искусству в том числе.

Выставка «Христо и Жан-Клод. Париж!» должна была открыться в Центре Помпиду в середине марта и предварять намеченную на осень упаковку в плёнку парижской Триумфальной арки. Художник наблюдал за подготовкой из Нью-Йорка по видеосвязи и, говорят, был доволен результатом. Но локдаун сбил все планы, а 31 мая, за две недели до 85-летия, Христо умер, и выставка, открывшаяся уже в июле, стала данью памяти мастеру и его соавтору и жене Жан-Клод, ушедшей в 2009 году. Ретроспектива охватывает весь путь – с момента, когда 23-летний болгарин без документов приехал во Францию и жил в каморке для прислуги у Жака Дессанжа. Показывает, как из экспериментов с формой и поверхностью родилось закутывание тканью – сначала небольших объектов, вроде туфель жены, а потом – парижского Пон-Нёф. Кстати, первый фотоколлаж с Триумфальной аркой был сделан ещё в 1961-м. И её всё-таки упакуют согласно эскизам художника осенью 2021-го.

Мастодонт арт-рынка в сегменте послевоенного и современного искусства, галерея Pace этой весной отметила 60-летие. Всё начиналось с небольшой галереи в Бостоне, основанной Арни Глимчером в 1960-м. Несколько лет назад он отошёл от дел, передав своему сыну Марку целую империю – филиалы Pace работают в Лондоне, Гонконге, Сеуле, Женеве и Пало-Алто в Калифорнии. А флагманская галерея в Нью-Йорке в сентябре 2019 года переехала в новое здание в Челси. Не каждый музей может похвастаться таким масштабом – искусству отданы 7 тыс. кв. м на 8 этажах, небольшой сад скульптур на крыше, пространство для перформансов. И всё это – ради художников. Галерея продаёт звёзд ХХ века – Александра Колдера, Виллема де Кунинга, Роберта Раушенберга, Агнес Мартин. Но и в пуле ныне живущих сплошь блестящие имена: Дэвид Хокни, Илья Кабаков, Тара Донован. И как рассказал американскому RR Марк Глимчер: «Всё просто: если у вас много художников, вам нужно много места».

Популярный музейный слоган Once in a lifetime в данном случае не рекламный трюк – выставка «Ван Эйк. Оптическая революция», открывшаяся 1 февраля в Музее изящных искусств Гента, стала самой крупной в истории, собрав больше половины сохранившихся работ одного из главных реформаторов европейской живописи. Тем более обидно, что проработала она полтора месяца вместо трёх. В утешение непопавшим остались виртуальный тур и видеоэкскурсия с куратором. Новаторство Яна Ван Эйка стало рефреном выставки. Он ввёл в обиход европейских художников масляные краски. Более пластичные, чем темпера, они давали возможность медленной работы и вместе с тем – передачи мельчайших деталей, полутонов, теней, тончайших лессировок, которые и превращают каждую картину в драгоценную жемчужину. Первыми Ван Эйк начал писать евангельские сцены на фоне реалистичного пейзажа и стал подписывать свои работы, положив конец средневековому смирению мастеров без имени. Всё это было рассказано и показано на примере 14 станковых работ, собранных из европейских и американских музеев, плюс двух миниатюр в Турино-Миланском часослове и 8 створок знаменитого Гентского алтаря, которые благодаря масштабной реставрации (она длится с 2009-го) стало возможным показать на уровне зрительских глаз.

Фото: Архивы пресс-служб. Иллюстрация: Mathilde Crétier