Куда сходить в июне: новые выставки в пространстве арт-платформы Cube.Moscow

С самого начала предполагался второй этап проекта — создание экспозиции, в которой каждый участник проекта перейдет от формата книги-художника к крупномасштабным произведениям и создаст свою собственную историю в виде инсталляций, живописных или графических произведений, продолжая размышления о персональной географии в новом масштабе и исполнении.

Сама книга «Personal geography» состоит из 24 графических листов, выполненных в индивидуальных авторских техниках известными российскими художниками тиражом в 5 экземпляров и включает короткое эссе и по 3 графических листа каждого из авторов — своего рода размышления художников о жизни, о себе самих, идеалах, поисках творческого пути, принципиальных темах и аспектах творчества. В проекте приняли участие художники Татьяна Баданина, Василий Власов, Евгений Гор, Виктор Лукин, Мария Кулагина, Михаил Молочников, Владимир Наседкин, Валерий Орлов, Петр Перевезенцев.

Само словосочетание «персональная география» оказалось практически всеобъемлющим, и при этом обращенным к каждому лично. Название книги предполагает, что авторы будут неизбежно вовлечены в пространство рефлексии, внутренний диалог в поисках собственных значимых смыслов и тем, воплощенных в графических техниках на бумаге. Рисунки, гравюры, литографии и фотографии раскрывают в малом формате уникальный почерк и манеру каждого автора.

2-я часть экспозиции представлена в виде инсталляций, световых объектов и рельефов из бумаги и металла, бумажной скульптуры, живописи, графики, фотографий и коллажей. Столь широкий арсенал средств органично продолжает и развивает локальное авторское высказывание, сделанное в формате книги художника.

Изменение материалов, пространственных решений и их масштаба должно превратить проект в тотальную инсталляцию, в которой соседство художников только подчеркивает персональное высказывание и уникальный почерк каждого из них.

В процессе размышлений над будущей экспозицией во 2-ю часть проекта, кроме участников «книги художника», пригласили художницу Марию Кулагину. В центре ее внимания — человек знакомый и проходящий мимо, тот в кого мы пристально вглядываемся или скользим глазами. «Люди и город» — тема, где каждый фрагмент является слепком жизни, картиной уникального мира.

Syntax gallery открыла в лектории Cube.Moscow выставку Славы Нестерова «Через три смеющихся порога». В своем новом проекте художник рассматривает смеховую культуру в ее развитии от ритуального смеха в архаике к идее юродства и скоморошества в средневековье и до современного акционизма. Смеховая культура скоморошества сквозь призму российской истории и фольклора открывает одну из основных функций своего феномена — умелое лавирование внутри политической жизни государства.

С одной стороны, смеховые формы создавали неофициальный, внецерковный и внегосударственный характер мира, человека и человеческих отношений. С другой стороны, смеховая культура тесно связана с темой жизни и смерти. Смех табуируется во множестве древних обрядов, в которых происходит проникновение живого в царство мертвых.

Акция, перформанс или провокация юродивого — это работа в символическом поле, целью которой является воздействие на зрителя. Современные преследования акционистов встраиваются в традицию преследования русских юродивых. Но именно они своим внешним аморальным поведением и бунтарством обличают человеческие пороки и социальную несправедливость, принимая на себя страдания и поношения.

Программа групповой выставки «От очерка к вектору» художников Даниила Васильева, Владимира Карташова, Влада Мальцева, Славы Нестерова, Павла Польщикова, Шарля Нормана, Джона Флаксмана, Федора Толстого в галерее Syntax обращается к мало осмысленной, но очень внятно артикулированной в истории искусства традиции — созданию графических изображений очерковой линией.

Эта традиция зародилась в конце XVIII века, расцвела в эпоху Наполеона, в стиле ампир. Затем ярко и мощно напомнила о себе в журнальной графике, плакатах 10-20-х годов XX века, в рисунках эпохи ар-деко (Пикассо, Леже, Эйзенштейн). Сегодня очерковая техника микшируется со стилем агрегаторного искусства, векторной графикой веб-дизайна, брутальной эстетикой тату-сообществ.

В программе задействованы образы старых мастеров: Джона Флаксмана, Шарля Нормана, художников эпохи русского ампира, круга Федора Толстого и Федора Бруни. В их бестелесных творениях классический, академический мир искусства развоплощается в хоровод прозрачных призраков. Витражная перспектива и аппликативный узор арабесковых линий оказываются предчувствием той новой реальности, что утверждают нынче веб-панковский дизайн, векторная графика.

Мастера нового поколения с этой гулкой и звонкой пустотой ампирного чертежа, с этим первым порогом новейшей виртуальности выстраивают интересный диалог. Аналитическая геометрия будто бы регулирует каскад виртуозных мирискуснических линий в мифологических опусах Славы Нестерова. Павел Польщиков использует приемы автоматического письма, а также синтаксис технической документации для своих криптограмм, которые направляют к вектору сетевого искусства и к полиграфической культуре «документооборота» московского концептуализма.

Даниил Васильев создает тканую графическую паутину, переводящую экспрессионистические очерки в движущиеся западно-восточные анимационные серии. Влад Мальцев обращается к опыту сегодняшней тату-культуры. Его листы близки к брутальному дикому тренду Ignorant Style. А истоки такого сатирического опрокидывания мира посредством линеарных скетчей можно отыскать в журнальной графике начала XX века (например, в рисунках Олафа Гульбрансона для журнала Simplicissimus, которыми вдохновлялся Сергей Эйзенштейн, создавая в 1930-х годах свои радикальные графические пантомимы, что были выполнены одной «математической», по его собственным словам, линией).

Наконец, Владимир Карташов напрямую совмещает графическую культуру альбомных презентаций маскарадов и праздников с модным компьютерным дизайном. В его листах сквозняки и контуры векторного дизайна становятся пронзительным свидетельством меланхолии веб-панка. И новый очерковый стиль хранит эту интимную киберпамять так же бережно, как альбомные рисунки романтизма, или сегодняшний Adobe Illustrator.

В рамках pop-up проекта открылась выставка Надежды Миндлин «АСТ» — серия пейзажей в авторской интерпретации. Основная тема, которую художник исследует в этой серии, как фокус, который мы выбираем, чтобы смотреть на вещи, меняет наше восприятие. Работы на выставке изображают небольшие фрагменты поверхностей разнообразных географических мест.

Метод исследования, который используется в работах, вдохновлен акторно-сетевой теорией Бруно Латура. В процессе создания работ художник делает попытку отобразить на холсте исследуемые поверхности — микро пейзажи поверхностей в различных географических точках. Для этого применяется специальная техника живописи, имитирующая машинную печать. Основная тема, которую художник исследует в этой серии, как фокус, который мы выбираем, чтобы смотреть на вещи, меняет наше восприятие.

Работы на выставке изображают небольшие фрагменты поверхностей разнообразных географических мест. Выбранные для изображения фрагменты пейзажа — небольшие по размеру и показаны с непривычных ракурсов. В этом эксперименте нет задачи фотографического изображения того или иного ландшафта, а есть лишь попытка фиксации впечатления в конкретной географической точке и моменте времени. Таким образом проект представляет собой авторский дневник «художественных путевых заметок».

На выставке представлены серии работ: Соловки. АСТ, Франция.АСТ, Венеция.АСТ, выполненные на основе микропейзажей тех или иных мест. Соловки.АСТ — это серия из семи работ, сделанных после поездки на Соловецкие острова летом 2019 года. Семь работ представляют соловецкий пейзаж в авторской интерпретации художника. Франция.АСТ посвящена пейзажам французских Альп, Венеция.АСТ — месту Альберони на острове Лидо.

В PA Gallery продолжает работу персональная выставка Андрея Сяйлева «Прорыв надрыва». Творчество Андрея Сяйлева — это попытка материализовать поток времени, увидеть и исследовать архитектонику его «пространственных срезов». Глубоко погружаясь в детали, художник в экспериментальных сериях препарирует на микроэлементы различные фактуры, материалы и пространства.

Наиболее частые фигуранты его произведений — паттерновые конструкции, например, кирпичи, плитка или книги. Для художника они играют роль идеальных форм «спрессованного» времени. Кирпичная кладка или многотомник выступают моделями визуальных решеток, структурирующих человеческий опыт восприятия реальности. Внимание к этой телесности существования художник называет «глубиной резкости» зрения, считая своей задачей передать зрителю навыки ее «настройки».

В Kupol Gallery открылась персональная выставка Сергея Ратчина. Работы художника отличает меланхоличный характер, они словно останавливают время: изображенные на них персонажи, предметы и пейзажи застывают в моменте, схваченном художником.

Сергей Ратчин создает искусство, которое невозможно не прочувствовать: мимолетные мгновения жизни, отраженные в его картинах, обладают почти неуловимым очарованием — зритель становится участником произведения, при просмотре работ мысленно переносится в пространства полотна, предаваясь всплывающим из памяти давним воспоминаниям или образам.

Художник родился в 1983 году и с детства был увлечен изобразительным искусством, впоследствии окончил Тульское училище искусств им. Даргомыжского, отделение живописи. Работы Сергея Ратчина часто экспонируют в Москве, а картины художника хранятся в музеях и галереях России, а также в частных собраниях.

В рамках pop-up проекта работает фотовыставка Богдана Бончука «Идеальный человек». Что означает идеальный? Фотограф вводит свою модель в состояние, при котором стираются постановочные эмоции и пластика. Это не про позирование на камеру – в объективе Бончука модель обнажает настоящую «идеальную» себя.

«Мы (люди) созданы чтобы чувствовать, переживать, любить, ненавидеть, желать, гореть и сгорать. Это счастье, которое находится на одной чаше весов. Мы реализуем свой потенциал в полной мере, когда переживаем смерть близкого, рождение ребёнка, крушение надежд, осознаём свою бесконечность и ничтожность. Два счастья доступны человеку. И оба этих счастья таят в себе бесконечный ужас друг друга. И оба этих счастья диаметрально противоположны. На одной чаше весов принятие и переживание невыносимой лёгкости бытия, а на другой – небытие. Небытие, что может быть лучше этого? Ничего. Я прошу, я требую от человека забыть себя, утонуть, шагнуть за черту и через это перестать быть. И когда человек в этом, я запоминаю его через фотоаппарат.

Я снимаю идеального человека».

Arts Square Gallery представляет в Cube.Moscow выставку «Поздеев. Краткий обзор» живописных и графических произведений Андрея Геннадьевича Поздеева. Работы красноярского художника, которого называли «сибирским Матиссом», имеют свой узнаваемый художественный почерк. Андрей Поздеев принадлежит к числу художников, роль которых в отечественном искусстве становится со временем только значительнее и масштабнее.

В работах Поздеева прослеживаются почти все основные этапы мирового искусства: реализм — импрессионизм — постимпрессионизм — фовизм — абстракционизм. Для художника это не было следованием течениям, это было не подражательство, а воплощение его личного сознания. Для мастера это были естественные ступени личного творческого роста. Творческая личность художника — это целая культурная стихия, переплавляющая традиции прошлого, смело сопоставляя в одном идейном пространстве живопись на холсте, акварель, гравюру и рисунок, так что отчленить одну технику от другой довольно непросто.

Персональные выставки художника проходили в музеях Таллина и Риги, в Государственной Третьяковской галерее, в Центральном доме художника в Москве. Картины Андрея Поздеева находятся во многих музеях мира, в том числе в Третьяковской галерее и в Русском музее. Андрей Поздеев включен в международный художественный рейтинг (всемирный рейтинг XVIII — XXI веков, формирующих мировое художественное наследие).

Хочешь следить за событиями в мире роскоши? Подписывайся на «RR Россия» в Telegram и «ВКонтакте».

Фото: Cube.Moscow